El proceso creativo significa para mi una eterna e incansable búsqueda, en la que nunca hallaré la respuesta definitiva, el material ideal, el cuadro perfecto. Siento el arte como una forma de expresión personal, una catarsis donde expulso lo que hay en mi interior, canalizándolo a través de la experimentación.
Tanto en pintura como en escultura, suelo tratar temas trascendentales y existenciales, que atañen al ser humano y a la naturaleza. Al abstraerme de la realidad cotidiana, ésta se desvirtúa hasta tal punto que vuelvo a esas preguntas básicas que el hombre se ha cuestionado desde sus comienzos: el porqué de la vida, de dónde venimos, a dónde vamos…
Me llama poderosamente la atención la perfección de la naturaleza. Cómo desde los microorganismos más ínfimos hasta el inabarcable universo, todo está en absoluta armonía, un perfecto caos, del que somos tan sólo una mota de polvo. Polvo de estrellas.
En mi pintura intento plasmar todos estos conceptos, haciendo del cuadro ese perfecto caos. Como un Dios creador, yo dirijo una orquesta de colores, formas y texturas, y doy lugar a un nuevo mundo, en el que, ¿quién sabe si alguien habitará…?
Lo más interesante de mi técnica es que varía en cada cuadro, pues siempre busco algo nuevo, y cuando lo consigo vuelvo a buscar. El soporte sobre el que habitualmente trabajo es el metacrilato. Procedo de la siguiente manera:
Pinto sólo sobre una cara, comenzando por los últimos detalles y acabando por la imprimación (como un proceso inverso). Cuando la obra está finalizada, ésta aparece incrustada tras la superficie transparente, como una ventana a otra dimensión. Los diversos materiales que utilizo para ello conforman la base de esta experimentación.
Hace mucho tiempo que me separé de lo académico para encontrar mi propia forma de expresión. Fui dejando a un lado los pinceles y me apoyé en la química y la física para crear micro-mundos, los cuales sería imposible pintar con un pincel. Simplemente dejo que los materiales actúen e interactúen por sí mismos, igual que lo hacen en la propia naturaleza.

Sobre la exposición “Microcosmos”

A veces no hay un porqué para pintar, simplemente fluyen las ideas, inducidas por un sentimiento invisible, inexplicable.

Te pones delante de un formato transparente y comienza la conexión. Te olvidas de tus preocupaciones mundanas, de la hora que es y de todo lo que existe de puertas para afuera de tu mente. Ahora estás dentro, atrapado en tu microcosmos, perteneces a ese mundo privilegiado donde sólo tú mandas, donde eres libre. Allí se empiezan a despertar estímulos dormidos en forma de gestos y acciones que provocan reacciones, igual que en la vida real. Pues el cuadro no es más que el trascurso de una vida, que muere cuando la pintura se para, y lo que queda, es lo que queda, lo vivido y lo pintado, nada más… Por suerte nos queda su recuerdo para siempre, y por suerte también en cada obra tenemos una nueva oportunidad de vivir una experiencia diferente, de no cometer los mismos errores y de atrevernos a experimentar.

Como un demiurgo creador que organiza sus elementos, el cuadro comienza a moverse, toma vida, se expande en perpetuo y lento movimiento. Y tú solo diriges una enorme orquesta de posibilidades, en la que cada micro-acción genera un resultado diferente. El caos reina y cosas que antes no existían comienzan a crearse de la nada, gracias a las leyes naturales. Pues uno manda en el cuadro lo mismo que un humano en el mundo, lo justo. Estamos en manos de la física y de la química, la gravedad, el magnetismo, los caprichos de la naturaleza… y sobre todo de algo inexplicable: el sentimiento, sin el cual, el arte no tendría sentido.

La obra final es simplemente un camino bien ejecutado, un conjunto de decisiones, acertadas o no, que se tomaron en décimas de segundo atendiendo a la intuición y el subconsciente.

Durante el transcurso suelen ocurrir incidencias, errores no previstos que hacen que descubras senderos por los que no pensabas transitar. Pero si eres capaz de extraer belleza de ellos, te enseñaran mucho más que cualquier autopista conocida, pues a veces el cuadro más bello es un mero accidente inesperado que jamás se volverá a repetir.

El arte somos nosotros mismos. Nuestra manera de expresarnos, nuestros miedos, inquietudes, sentimientos, anhelos, nuestra actitud ante la vida y nuestra forma de interiorizarla. Todo ello expuesto sin filtros a la vista de todo el mundo en forma de colores y manchas.

A veces no hay un porqué para pintar. Tan sólo hay que dejar que todas las casualidades y circunstancias de tu microcosmos se mezclen… reaccionen… y se produzca la magia. Porque a veces es tan sólo eso, creer en algo que aún no existe.

Comentario crítico pictórico

No hay duda, toda pureza del campo, cuando se mira de forma idílica, es sosiego, paz, senda de añoranza o melancolía o, quizá, un diluirse en la naturaleza, en la tierra que habitamos, de un todo, del que formamos parte ; pero, cuando esa tierra que pisamos, cuando ese paisaje no aparece desnudo, sino habitado por la figura humana, transformándolo en el sentido más primigenio, que proporciona el sustento para seguir viviendo; las manos se quiebran en la tierra y los brazos y las caderas se rompen ante el argumento del salario.

Por eso la propuesta pictórica de Barahona está sustentada no sólo sobre el paisaje, sino sobre la de las labores silenciosas de lo cotidiano, con una clara pretensión de cercanía entre las relaciones familiares de aquellos seres humanos que no son ni han sido considerados sujetos activos de la historia.

Esa es la realidad que nos describe y que nos expresa desde sus lienzos Manuel Barahona, desde una sensibilidad que aletea en lo más profundo de su alma , que produce una gran emoción ante el paisaje habitado, por jornaleros, que lo hace reivindicativo y consigue una vibración del alma que conecta con el sentimiento del espectador.

Pero, cuando acaba la palabrería que descubre la figura humana, inserta en el paisaje, en el campo andaluz; en jornadas de labranza, de siega, de recogida de aceituna o de algodón, en el que el trazo firme (impresionista), consigue aspectos gestuales (donde el movimiento no se interrumpe), tan reales como el instante vivido, queda ese lirismo antiguo en la magia de sus colores caminando en equilibrio hacia el hallazgo de la luz.

Y es que Manuel Barahona es un magnífico dibujante y un majestuoso colorista que dota a sus cuadros de una luz que devora el paisaje.

La armonía con que consigue la complementariedad de sus colores, rigurosamente personalizados, los dispone de tal suerte, que atrapa la luz y parece que la detiene en el instante.

Pero, además, su agudo, estudiado y trabajado sentido de la perspectiva dota a sus lienzos de un sentido de lejanía y profundidad que lleva al receptor mucho más allá de donde abarca la mirada, para abrir el horizonte anclado en el tiempo.

Barahona, logra, como muy pocos lo han conseguido, en nuestra época reciente la iluminación de la escena, exclusivamente con el color, y con una acertada pincelada consigue encontrar un hueco por donde se desliza la intensidad de la luz, que surge y brota del color del sombrero de un campesino o de la sombra de la persona, con lo que podemos intuir no sólo la estación del año, sino, incluso, el momento del día y el cromatismo de su tierra andaluza.

La luz es el elemento que preside y tutela toda su obra, es el elemento neurálgico sobre el que se fundamentan sus paisajes; pues, si la temática gira en torno al campo andaluz, en el faenar cotidiano de sus jornaleros, la luz (conseguida mediante el color) se convierte en el protagonista principal de sus obras.

Hablar de amarillos, ocres, verdes, rojos, malvas o grises y de toda una explosión de cromatismo engendrado en su paleta – dispuestos de manera medida y compensada en la tela-le hace conseguir una atmósfera encendida en el aire, pero el pintor llega tan lejos que el amarillo de la media mañana, por ejemplo, vence al denso gris de un cielo amenazante que se dibuja en el horizonte.

Barahona nos transporta a otras épocas, cuando cada estación del año anuncia el melocotón en flor o las cosechas del trigo, de la aceituna o del algodón en un paisaje andaluz, poblado por cuadrillas de jornaleros, pero terminado hace mucho tiempo por el aguijón de las máquinas.

Sin embargo, sus obras nos dejarán en el recuerdo la paja y el trigo en las manos, la recogida en el olivar en un trazo de sol apagado, el acarreo de aceitunas o del algodón con nombres de sufrimiento, al labrador atravesando los siglos y la experiencia silenciosa de un alma que expresa con sus colores el hallazgo de la luz y de la vida.

Pedro López Ávila.
Catedrático de Lengua y Literatura

Un grupo de amigos, alumnos de la Escuela de Artes y Oficios de Granada, recibía clases del Profesor de Historia del Arte, D. Marino Antequera, que tan profunda huella iba dejar en el recuerdo y en el magisterio que ejerció sobre ellos. Se trataba de Alfonso Domínguez, José Hernández Quero, José Galán Polaino, Antonio Moleón España, Miguel Moreno, Luis Soriano Quirós y José María Ysmér Ysmér.

De derecha a izquierda: Luís Soriano Quirós, José Galán Polaino, Alfonso Domínguez (hijo), Marino Antequera (Crítico de Arte), José Hernández Quero, Antonio Moleón España, Miguel Moreno (Escultor), José María Ysmér Ysmér.

Era tan solo un grupo de jóvenes, cargados de las fuerzas y energías juveniles, que se reunían en el estudio del padre de José Ysmér (dibujante y litógrafo), para compartir confidencias, voluntades o, en ocasiones, complicidades en materia artística. En otras ocasiones las reuniones tenían lugar el Café Suizo de Granada, en donde las conversaciones se entrelazaban y fluían bajo el blanco hechizo de mármol de aquellas mesas.

En 1959 el grupo se disgrega. Soriano Quirós (1932-2001), se traslada a Bilbao y en 1958, al quedar atrapado por el paisaje vasco, decide quedarse en aquellas tierras. Hernández Quero (1930) fija su residencia en Madrid; José Ysmér (1931), aunque formado en Granada, igualmente, en 1960 traslada su residencia a la capital de España; Alfonso Domínguez, falleció a una edad muy temprana, cuando todo apuntaba a que sería una de las figuras más relevantes en la creación artística nacional; Antonio Moleón España (1930), José Galán Polaino (1932) y Miguel Moreno (1935) continúan hoy en primera fila entre los artistas más sobresalientes desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Si bien, Miguel Moreno, el benjamín del grupo, desarrolló su vocación artística como escultor y orfebre, con múltiples reconocimientos locales nacionales e internacionales a su obra, de la que está impregnada toda la ciudad de Granada.

Todos estos artistas granadinos, cuyos logros han traspasado todas las fronteras, tanto en su faceta creativa, cuanto en relevantes campos de la investigación y de nuevos hallazgos técnicos, se encuentran hoy como la más genuina esencia del ser y el existir de nuestra condición local más auténtica. Nunca caerán en el olvido, sobre todo, en la crecida brisa del tiempo, pues estas obras, engendradas en el milagro del arte, jamás pasarán inadvertidas y perdurarán, junto a sus creadores, siempre en el recuerdo.

Por todo esto, Milenium Gallery, quiere rendir con esta exposición un sentido homenaje a todos ellos, a través de sus creaciones, para que su gente más cercana, los granadinos, conserven para siempre las imágenes y los nombres de aquellos jóvenes que un día creyeron en la transformación de la materia para importar la belleza.

Pedro López Ávila
Catedrático de Lengua y Literatura y escritor

Pedro López Ávila.
Catedrático de Lengua y Literatura y escritor

Pedro López Ávila
Catedrático de Lengua y Literatura y escritor

Una exposición de Diego Canca
Hay una vieja aspiración en la pintura, el ser espacio habitable, escultura, el burlar las inexorables leyes de la doble dimensión. Las fórmulas son distintas, y a una de las más actuales y convincentes llamaron los franceses trompe l’oeil. La pintura parece decoración, mobiliario, rincón doméstico olvidado y a la vez imprescindible. A este engaño ceremonioso y sonriente se aplica con deleite contagioso Diego Canca.
El relato que emana esta pintura nos aproxima a un juego conceptual lleno de gestos elegantes, nos propone una nueva ficción, y nos incita a traspasar los límites de la tarea pictórica. Los materiales ya no sugieren un sencillo y humilde intermediario, juegan a constituirse en solidez irreprochable y espacio multidimensional. El material con el que se expresa este género pictórico está asido a un tiempo que fecunda la percepción anecdótica, es un reclamo que agrieta la rutina cotidiana y exige una nueva y compleja colaboración del espectador.
El objeto pictórico que expone Canca en “Milenium” interfiere unos modos de percepción que el espectador creía dignos de confianza, pero al tiempo aplica sutiles truculencias que van desde la ironía a esa eficaz ingenuidad que nos ayuda a cuestionarnos nuestra propia representación del mundo. El material usado, siguiendo la vieja estela de los manierismos más excelsos, se señala con honda pulcritud, quizá en noble declamación.
La serialidad de algunas de sus aportaciones, como es frecuente en las exposiciones más influyentes de nuestro tiempo, ofrece un condicionante sistemático y un argumento narrativo a la muestra. Por otra parte, cuando el pintor ejerce su vocación de aspirar a declarar un conjunto de claves personales, usa títulos que sirven de anclaje a componentes autobiográficos.
Pero en esta exposición el pintor ejerce sobre todo la íntima aspiración de sorprender mágicos instantes de su trayectoria vital, ya como homenaje al barrio del Príncipe en Ceuta, o a la inquietante vereda de la creación sometida a la injuria del tiempo y al descaminado afán de la forma, de la música, de la escritura.
Es entonces cuando Diego Canca ejerce su transparencia más conmovedora, su desmesura más cordial, su más humana e intensa nostalgia de la totalidad.
Manuel Díaz Castillo. Doctor en Filología Románica.

EL COLOR DEL OCASO

Francisco Bautista Toledo
Crítico de Arte de Ideal

Espacio silente, testigo del paso efímero de la existencia, el tiempo pasa, la decadencia es su cómplice. La luz tibia resalta la belleza del esplendor pasado. La humedad es palpada en los azules y violáceos, empapa el alma del observador, los rayos de sol rompen la monotonía del azul húmedo y los colores se derriten en las viejas paredes, testigos del transcurrir de pasiones evanescentes. El agua deshace las siluetas, misteriosa esconde cienos que el tiempo deposita, es depositaria de la imagen descompuesta en azarosos destellos. Mas el viajero siente la curiosidad de navegar por los canales, atravesar sus puentes y arcos… respirar el derrumbe nostálgico del pasado pensado en poesía. Mientras, el color discurre por las superficies, derramándose en los edificios, cuyo calor sugerido por la luz encierra vida, historias corrientes disueltas en el devenir de los años. Recónditos lugares donde la mirada destaca el lirismo del abandono.
En un festival de tonalidades, azul y dorado, ocres y violáceos, surge la fachada crema, signo de elegancia de lo sencillo, placidez visual que detiene el pulso del entendimiento. Tiemblan los colores cuando dialogan entre sí, en una relación marcada por la eternidad de la luz y la efímera huella humana. Reflexión sobre la emoción que su recuerdo suscita, rompiendo la sorpresa del color en la escena evocada, anegando el dibujo de las formas en su resplandor cambiante de las horas.
Rincones olvidados llaman la atención del viajero, rescatados de la inanidad de lo cotidiano, y el azul se viste de sus gamas variadas, etereidad que libera en sus claridades, densidad que abruma cuando condensada. En la monotonía de los canales surge el espejismo verdoso, que se conjuga con el tono dominante para organizar un contraste de tacto visual sedoso, susurrante, plácido, en una impresión cromática que destruye las líneas, para expresarse sin ataduras que acoten los colores, en un deambular triunfal de la sensación poética que deja su recuerdo en la retina.
Gracia Eva Velasco plasma el discurrir de los sentimientos, descritos con un lenguaje cromático, barroco, espeso en sugerencias y deslumbramientos. Su paleta es precisa, no extensa, jugando con las combinaciones de la gama usada, para extraer la esencia del paisaje sentido. Es una narración concisa en el trazo, pero profunda en su significado. El observador de su obra es introducido en el cosmos de humedades, frialdad de las umbrías y caricias del Sol que fluye por los canales venecianos, tímida radiación creadora de sensaciones luminosas en el canto triunfal del ocaso. La pintora traduce muy bien la impresión percibida en su encuentro con la ciudad de la laguna, comunicando fielmente al espectador de su trabajo el discurrir de la experiencia vivida. Traspasa y supera las posibilidades del lenguaje, para proponer ideas e imágenes, solo comprendidas con el corazón, de una poeta que pinta.
La artista desarrolla la propuesta con agilidad en su expresión final, a través de trazos condensados, henchidos de pasión, gozo cromático que chispea destellos de abatimiento, ante la belleza de la mirada pasajera. Es hábil en el manejo de los recursos plásticos, consiguiendo elaborar piezas de gran calado técnico, donde el dibujo se difumina en un colorido desbordado, que se superpone a la racionalidad de la imagen, para mostrar la realidad traspasada de la lógica, y apreciar el halo que trasmite la materia impregnada del discurrir de la historia. Los colores deshacen las formas, toman vida con pulso propio, convirtiéndose en notas de vibración visual depositadas en el cuadro, para componer una melodía que cae en picado, en el arrebato sensitivo expresado por la impronta cromática.
Las piezas expuestas poseen calidad, son expresadas con elegancia, gracias al dominio del equilibrio de la composición conseguido por Gracia Eva Velasco, proponiendo una obra seria, interesante, resultado de una fructífera trayectoria pictórica personal, labor continua, cuya conclusión puede verse en esta exposición.

27 artistas participan en esta extensa muestra de alrededor de 100 obras.

Exposición del 19 de junio al 10 de septiembre de 2015.

Horario: de Lunes a Sábados, de 10:30 a 13:30 h. y de 17:30 a 21:00 h. (sábados tarde con cita)